Der Künstler Jonas Wood bespricht seine Zeichnungsausstellung im Karma in New York

Der in Los Angeles lebende Künstler Jonas Wood ist vor allem für seine Gemälde mit Landschaften, Schiffen, Innenräumen und Pflanzen sowie für seine Liebe zum Sport bekannt. Zu den jüngsten Ausstellungen gehört „Henri Matisse & Jonas Wood“ bei Nahmad Contemporary in Gstaad, Schweiz, die die Werke beider Künstler im Vergleich zeigt, mit einem Text der Kuratorin und Kunsthistorikerin Helen Molesworth.

Aber seine Zeichenpraxis war für seine Entwicklung als Künstler ebenso wichtig. Diese Arbeiten auf Papier sind Gegenstand seiner neuesten Ausstellung „Drawings 2003-2023“ im Karma in New York (zu sehen bis zum 18. August). Einhundert Arbeiten auf Papier werden in chronologischer Reihenfolge in einem Salonformat ausgestellt und zeigen die große Bandbreite an Themen, Farben und Markierungen des Künstlers. Diese helle und farbenfrohe Show wird im November 2023 auch in Karmas Räumlichkeiten in Los Angeles zu sehen sein.

Um mehr über seine Ausstellung zu erfahren, sprach ARTnews telefonisch mit Wood aus New York. Während des Gesprächs sprach Wood über seine biografischen Wurzeln, seinen Werdegang durch die Wissenschaft, die Arbeitswelt und die Ratschläge, die seine Karriere und sein Vermächtnis prägen. Wood spricht auch über die von ihm verwendeten Materialien und den Prozess hinter seinem lebendigen Werk.

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ARTnews: Diese Ausstellung konzentriert sich auf Ihre Zeichnungen von 2003 bis 2023. Warum wollten Sie sich auf diesen 20-Jahres-Zeitrahmen konzentrieren?

Jonas Wood: Nun, diesen Juli jährt sich mein 20-jähriges Leben als Künstlerin und Postgraduiertenschülerin in Los Angeles. Ich habe eine Installation aus Zeichnungen erstellt, die im Laufe der Jahre entstanden sind. Ich freue mich, mit [Karma-Gründer] Brendan Dugan und Karma an diesem Projekt zusammenzuarbeiten. Brendan macht so unglaubliche historische Shows und ich wollte etwas anderes machen. Ich habe noch nie eine reine Zeichnungssammlung ausgestellt.

Es gibt viele Leute, die daran arbeiten, sich nach dem Studium wiederzufinden. Kannst du mir dann etwas über dein Leben erzählen?

Im Jahr 2002 schloss ich mein Studium an der University of Washington in Seattle ab. Meine Frau, die Künstlerin Shio Kusaka, und ich besuchten kurz Martha's Vineyard, bevor wir sechs Monate später nach Los Angeles zogen. Ich fragte mich: „Möchte ich in New York leben?“ Oder möchte ich in LA leben?“ Also zog ich nach LA, weil ich dort einen Freund hatte, und begann zu malen und zu zeichnen. Ich dachte ständig: „Wie übe ich weiter?“ Wie werde ich besser?“ Ein großer Teil davon war das Zeichnen. Von einigen meiner Graduiertenlehrer habe ich hervorragende Ratschläge dazu erhalten, wie ich auch nach dem Studium weiterarbeiten kann und wie ich außerhalb ihrer wachsamen Augen üben kann. Wenn Sie in der Schule sind, haben Sie Ihre Mitschüler und Professoren, die beobachten und kritisieren, was Sie tun. Meine Professoren fragten mich: „Welche Künstler mögen Sie?“ Was haben sie gemalt? Wie haben sie geübt?“ Ich konzentrierte mich auf das Wort „Praxis“, um weiterhin Malen zu üben.

Welche Ratschläge gaben sie?

Mein vor ein paar Jahren verstorbener Graduiertenprofessor Denzil Hurley war unglaublich darin, junge Köpfe zu aktivieren. Er hatte gerade eine Ausstellung in der Canada Gallery in New York. Er riet mir, mich selbst herauszufordern, weil die University of Washington keine Abschlussschule sei, wie die UCLA oder alle großen Kunsthochschulen in Kalifornien, wo die Doktoranden so außergewöhnlich talentiert seien, dass sie fast bereit seien für die Glanzlichter der Galeriepräsentation . In Seattle konzentrierten sie sich darauf, wie man eine künstlerische Praxis eröffnet und bewarben sich höchstwahrscheinlich als Kunstprofessor – Malerei zu lehren war eher eine Decke. Die Idee, dass man irgendwo alleine malen würde, war für mich eher das, worauf ich mich konzentrierte. Das war ein toller Rat, selbst in einer Atmosphäre wie Los Angeles, wo mich viele herausragende Künstler umgaben. Auch der Job, den ich später hatte, als ich zum ersten Mal nach LA zog, als Assistentin der [Künstlerin] Laura Owens in ihrem Atelier, ebnete meinen Weg.

Wie kam es zu diesem Job?

Ich habe fast anderthalb Jahre mit Laura zusammengearbeitet. Der einzige Freund, den ich in Kalifornien kannte, war der Künstler Matt Johnson, ein fantastischer Bildhauer. Er und ich gingen zusammen zur High School. Matt arbeitete bereits für den Künstler Charles Ray und hatte dann einen Kurs bei Laura an der UCLA besucht. Nachdem ich ein paar Monate in LA war, suchte sie nach einer Assistentin und fragte, ob einige Studenten Interesse an der Stelle hätten. Sie fragte einige Doktoranden, ob sie frei hätten, und Matt antwortete: „Das habe ich nicht. Aber mein Freund, der gerade hierher gezogen ist, ist Maler.“

Das erste, woran ich für sie arbeitete, war ein Gemälde, das sie für die Whitney Biennale [2004] malte, und dann, in den folgenden Wochen, wurde mir klar, wer sie war. Alle sagten: „Hast du diesen Job bekommen?“ Aber ich hatte einfach Glück und traf diesen unglaublichen Genie von Mensch. Die Lernerfahrung war das nächste Level. Ich behielt so viele wertvolle Informationen von Laura, wie ich in der Graduiertenschule gelernt hatte. Sie malte eine Vielzahl von Dingen, deren Entdeckung für mich befreiend war, zusammen mit ihrer Meisterschaft im Zeichnen und Malen. Und Mitte der 2000er Jahre arbeitete meine Frau fast vier Jahre lang für Charley Ray, einen außergewöhnlichen Bildhauer, also hatten wir beide tolle Jobs.

Ich war auch Assistent. Mein erster Job nach der UCLA war die Arbeit für David LaChapelle. Die enge Zusammenarbeit mit so jemandem lässt einen erkennen, was es braucht, um ein Künstler zu sein. Sie sagten, Sie und Ihre Frau hätten beschlossen, gemeinsam nach LA zu ziehen. Tauschen Sie in Ihren künstlerischen Praktiken gegenseitig Ideen aus?

Ich habe mich darauf konzentriert, Stillleben zu malen. Da Shio all diese Gefäße herstellte, war es ganz natürlich, dass ich mir ihre Objekte auslieh und sie in meine Bilder einfügte, einfach aus Übung. Als ich 2006 eine Einzelausstellung in der Black Dragon Society Gallery und 2007 dann eine in der Anton Kern Gallery hatte, fragten mich die Leute: „Was sind das für Gefäße?“ Und ich sagte: „Oh, das sind die Gefäße meiner Frau.“ Sie unterstützt mich sehr darin, ein verrückter Maler zu sein, und seit 2005 teilen wir uns ein Atelier. Wir sind nicht im selben Raum, sondern arbeiten unter einem Dach. Wir arbeiten schon lange zusammen, haben uns also gegenseitig bestäubt und uns gegenseitig Feedback und gesunde Kritik gegeben.

Führen Sie in Bezug auf Ihre Zeichnung und Ihre Arbeit als Zeichner ein Skizzenbuch?

Ich führe kein Skizzenbuch. Für mich ist Zeichnen das Skizzieren mit irgendetwas auf Papier, sei es Feder, Aquarell oder Buntstift. Ich habe mich dazu entwickelt, es Zeichnen zu nennen, aber nur manche nennen es so. Laura Owens betrachtet beispielsweise alles, auf dem sich Farbe befindet, als Gemälde. Ich betrachte alles, was auf Papier ist, als Zeichnung. Ich fertige eine beträchtliche Menge Zeichnungen an, um meine Gemälde oder eine detaillierte Studie, die ich als Vorlage zum Malen verwende, sorgfältig vorzubereiten. Wenn ich male, male ich viel nach Skizzen, die ich angefertigt habe. Ich lese und versuche sie malerisch zu interpretieren.

Wenn aus einer Zeichnung ein Gemälde wird, gewinnt das Bild in vielen Fällen an Kraft.

Richtig, Zeichnen hilft mir persönlich dabei, das bestmögliche Gemälde zu schaffen.

In all Ihren Werken gibt es eine so große Bandbreite an Objekten und Orten, und ich finde es so bereichernd und aufregend, das zu sehen. Was Sie so gut einfangen, ist das Licht in LA.

An der Westküste ist es nicht nur das Licht, sondern auch die Menschen und wie sich mein Leben verändert hat. Ich komme aus Massachusetts und die Ostküste kann düster und hart sein. Während die Westküste ziemlich entspannt und sonnig ist. Als ich in Los Angeles ankam, fielen mir Pflanzen auf, die ich noch nie gesehen hatte, und ich begann, sie zu malen. Ich dachte bereits: „Wie könnte ich mich verbessern?“ und „Wie könnte ich über meine aktuelle Situation als Künstler hinausgehen?“ Als junger Erwachsener verliebte ich mich in die Schönheit dieses Raumes. Sie alle fielen zusammen.

LA war die erste Stadt, in der ich glücklich war, zu landen, und ich hatte das Gefühl, nach Hause zu kommen. Das Licht ist für ein Studio hervorragend, aber ich war schon immer von Farben besessen. Ich habe immer darüber nachgedacht, wie Farben zusammenwirken. Und all diese Dinge kollidierten mit meinen Interessen und dem, worauf ich mich beim Malen konzentrierte. All diese Dinge aktivieren meinen Geist.

Ich sehe in Ihren Werken viele Bezüge zum Sport. Woher kommt das?

Eines der Dinge, die ich Ihnen am Anfang als Ratschlag eines meiner Professoren gesagt habe, ist, Themen auszuwählen, an deren Bearbeitung Sie wirklich interessiert sind. Ich bin ein großer Sportfan und habe als Kind mehrere Sportarten betrieben. Mir gefällt die Vorstellung, dass Sportler etwas erreichen oder erreichen. Es begann hauptsächlich mit der Porträtmalerei, weil ich es satt hatte, einen Freund davon zu überzeugen, mich fotografieren und malen zu lassen. Es ist interessant, Menschen zu malen, die man kennt, aber es waren andere Regeln, jemanden zu malen, den man nicht kannte oder den man nicht vergötterte, als jemanden, der Bilder macht oder sich alles aneignet. Ich fing an, Tennisplätze zu malen, die aus Fotos entstanden, auf denen ich während Tennisspielen das Licht ausschaltete und meinen Fernseher fotografierte und von deren Aussehen ich begeistert war.

Oh, das ist so großartig. Ich finde es toll, dass es aus einem alltäglichen Moment in Ihrem Leben stammt.

Auf den Tennisplätzen kommt es eher auf Komposition, Abstraktion und Wiederholung an. Die schwebenden Basketbälle, Tennisbälle oder alles andere machen mich glücklich. Ich male Dinge, die mir Spaß machen: Pflanzen, Innenräume, Porträts, Sport und Landschaften. Das alles hat mich vom ersten Tag an fasziniert, und dann ist es mir im Studio gelungen und ich habe es weiter verfolgt.

Ich finde es aufrichtig, dass Sie sich weiterhin auf Themen konzentriert haben, die Ihnen wirklich am Herzen liegen.

Ja, niemand hatte irgendwelche Erwartungen an mich, als ich nach LA zog, also konnte ich tun und lassen, was ich wollte. Zweitens dachte ich immer, dass die Malerei präziser sein müsste. Ich bin ein figurativer Maler, der Dinge aus dem Leben malt, aber ich bin kein Fotorealist. Ich bin eher ein abstrakter Maler, da ein Gemälde alles sein kann. Ich habe weder dem Sammlerinteresse noch dem Kuratorinteresse nachgegeben. Und ich bin froh, dass ich in den ersten drei oder vier Jahren, die ich in LA verbrachte, keinen Erfolg hatte, sodass ich meine Identität etablieren konnte, ohne zu viel Feedback zu bekommen. Ich fühlte mich wohler mit der Vorstellung, dass Malerei eine Vielfalt von Dingen sein kann, die nicht durch eine Art von Malerei oder einen Look definiert sind, und als ich jünger war, war ich mir sehr bewusst, dass ich nicht in eine Schublade gesteckt werden wollte. Ich habe die ganze Zeit bewusst verschiedene Motive im Zusammenspiel gezeigt und tue es immer noch.

Welche Art von Materialien verwenden Sie? Ich bin mir sicher, dass Künstler es gerne wissen würden.

Als Untermalung verwende ich viel helle Lavierung und Aquarell. Und normalerweise ist das Windsor Newton, oder manchmal ist es etwas schöner. Und was die Buntstifte betrifft, liebe ich Prismacolor.

Haben Sie das riesige Prismacolor-Set?

Ich meine, ich habe jede Geschmacksrichtung von Prismacolor und irgendwo dazwischen – ehrlich gesagt, jede Farbe, die sie jemals hergestellt haben. Und einige davon werden nicht mehr hergestellt, also muss ich Restbestände finden.

Als Ölfarbe verwende ich gerne Gamblin und als Acrylfarbe mag ich Nova Color. Ich male hauptsächlich auf Leinwand oder Leinen und verwende eine bestimmte Papiersorte, die weder Falten noch Wellen bildet, egal wie viel Aquarell man aufträgt. Es ist das schwerste Heißpress-Aquarellpapier, das man bekommen kann, fast wie Pappe. Ich bekomme es von einer französischen Firma als riesiges Stück Aquarellpapier, 61 x 40 Zoll, geliefert. (Ich möchte nicht, dass irgendjemand sonst den Namen kennt, damit er mir nicht meinen Papierplatz klaut.) Entweder mache ich etwas so Großes oder schneide es ab. Ich zeichne viele Dinge auf Transparentfolien auf und projiziere sie, weil ich immer noch ein Projektionsgerät der alten Schule verwende und Fotos mache, und ich zeichne Teile der Bilder nach und füge sie zusammen, um ein bestimmtes Bild zu erstellen. Auf dieser Reise nach New York habe ich ein paar kleine Notizblöcke mitgenommen, wenn ich ein paar Skizzen anfertigen wollte, und dann habe ich mir ein paar Transparentfolien zum Nachzeichnen gekauft.

Was bedeutet es abschließend, all diese Zeichnungen in New York zu zeigen?

Es ist fantastisch. Ich kann es kaum erwarten, dass die Leute diese Show sehen. Es ist fesselnd und fesselnd. Meine Frau erzählte mir gestern Abend, dass die Leute, die meine Arbeit in den letzten 20 Jahren verfolgt haben, wahrscheinlich alle Werke in der Zeichenausstellung gesehen haben. Fast alle Arbeiten dieser Zeichnungsausstellung waren in Form eines Gemäldes zu sehen. Mindestens 60 Zeichnungen wurden alle zu Gemälden verarbeitet. Ich habe in meinen Ausstellungen oder in einem Raum voller Zeichnungen Zeichnungen verteilt, aber das war nie mein Hauptaugenmerk. Deshalb möchte ich dies gerne mit Ihnen teilen, da es das Rückgrat meiner Studiopraxis ist.